Poéticas del cine

Raúl Ruiz

 

 

Prólogo

 

 

He aquí el primero de los tres tomos que compondrán esta Poética. No creo que sean de gran ayuda para los cinéfilos y los profesionales del cine. Los escribí pensando más bien en aquellos que usan el cine como espejo, es decir, como instrumento de especulación y reflexión, o como máquina para viajar en el espacio y el tiempo.

En el origen de este libro están las seis conferencias que di en abril de 1994 en la Universidad de Duke (EEUU), invitado por Fred Jameson y Alberto Moreiras, y que corresponden con estos seis primeros capítulos. El séptimo es la conferencia introductoria de un seminario que di en Palermo en diciembre de ese mismo año. En cuanto a las ideas que atraviesan estos textos, las fui poniendo más o menos a punto durante el año universitario de 1989-1999, cuando di clases en Harvard.

He intentado aquí sobrevolar algunos de los temas más polémicos que sacudieron en estos últimos años a los teóricos de los medios de América del Norte y Latinoamérica (Jameson, Dienst o Moreiras), como también los paradigmas narrativos de la industria del entretenimiento, las nuevas imágenes o la globalización del mundo audiovisual. Pero también he tratado temas más europeos, como la naturaleza de la imagen y el inconsciente fotográfico. Aparecerán también temas que forman parte de polémicas más antiguas, algunas de las cuales datan de los principios de la historia del cine (pienso en las ideas de Bertrand Russell, Ortega y Gasset y Elias Canetti). De vez en cuando irrumpen querellas aún más antiguas (Raimundo Lulio, Shitao, los teólogos Molina y Báñez, etc.). Para dar cuenta de todo eso elegí un género cercano a lo que en la España del siglo XVI se llamaba Misceláneas, esos discursos teórico-narrativos que se dedicaban a hacer piruetas, a los cambios de rumbo inesperados y las interpolaciones extravagantes; en suma, a lo que podríamos llamar el arte  de saltar de un tema a otro.

El segundo tomo, Serio ludes (Juegos serios), está compuesto por parodias y simulaciones conceptuales, y propone un método de trabajo para escribir películas. El tercero, Métodos, está compuesto por ejercicios y recetas, y pretende ser un método para filmar.

Estos tres libros giran alrededor de una convicción: en el cine, al menos en el cine narrativo (y todo el cine lo es de cierta manera), es el tipo de imagen lo que determina la narración, y no al revés. A nadie se le escapará que esta afirmación implica que el sistema de producción, invención y realización de películas debe ser modificado de manera radical. Quiere decir también que aún son posibles un nuevo tipo de cine y una nueva poética del cine.

Una última observación: no soy un erudito, y he encontrado la mayoría de mis referencias en mi biblioteca personal, lo que me ha permitido corroborarlas directamente. Pero leo en diagonal, viajando de un libro a otro, y eso no está exento de riesgos. Es muy posible que aquí y allá haya interpretaciones o comparaciones abusivas o sencillamente gratuitas. Pero este libro es un viaje, y los viajeros deben saber que tomar caminos que no conducen a ninguna parte también forma parte del viaje.

 

 

FUENTE: Poéticas del cine. Raúl Ruiz. Ediciones Universidad Diego Portales, 2014.

 

 

Desde los cielos, Violeta volvió a la lucha

por Vanessa Vargas Rojas

La llegada de “Violeta se fue a los cielos” coincide con un Chile parecido a ella: despierto y atrevido. Pese a todos los obstáculos que la propia industria nacional le vuelve a poner a una de las más grandes artistas que haya nacido en esta tierra, Violeta supera otra vez las expectativas, sumándose, sin querer, a enriquecer el espíritu rebelde que por estos días posee a miles de ciudadanos y estudiantes.

Podría haber llegado hace años o hace sólo seis meses atrás y no habría sido lo mismo. “Violeta se fue a los cielos”, el filme del director chileno Andrés Wood, basado en el libro que el cantautor Ángel Parra escribió sobre su madre, no podía haber irrumpido en los cines en mejor momento.

Han pasado casi 50 años desde que Violeta escribió “me gustan los estudiantes porque levantan el pecho cuando les dicen harina, sabiéndose que es afrecho” y aunque el film de Andrés Wood no contempla una revisión profunda a la cara más política y combativa de la artista, verla viva en la impactante interpretación de Francisca Gavilán no deja de inspirar. Ya son muchos quienes la sienten como una de las nuestras e intuyen que hoy sería la primeras en sonreír con la hazaña de quienes enfrentan una de las estructuras más representativas de ese Chile injusto que ella siempre criticó.

“Por supuesto que Violeta también estaría apoyando a los estudiantes. Totalmente. La Violeta era una mujer que miraba de frente y decía lo que pensaba. En sus canciones está clarísimo”, aseguró Francisca Gavilán ante los pocos medios de comunicación que se han atrevido a preguntarle.

Hasta la película de Wood, los enamorados de la multifacética artista habían tenido que conformarse con imaginar diferentes versiones sobre su vida y su genuino carácter, abastecidos de mezquinas biografías. Quizás, hasta el momento, no eran más que sus propias canciones las herramientas que muchos tenían para construir el ideario de Violeta Parra. La que cantó con ira la pena de los mapuche y la hipocresía de las autoridades políticas y religiosas, dejando un legado de consignas que, quizás para su pesar, parecen más actuales que nunca.

“Los espectadores se van a encontrar en esta película con una Violeta dura, pero con sentido del humor; clara en sus ideas, pero también triste”, adelantó el director, meses antes del estreno. Y dejó a muchos aliviados de tener algo más profundo que una perspectiva biográfica. En efecto, lo que Wood ofrece en “Violeta se fue a los cielos” es un retrato sorprendentemente real, sin ánimos de pontificar a la artista, sino de mostrarla sin censura: con mal humor, orgullosa de su arte, celosa, altanera e infinitamente frágil. Esto, porque como explicó el mismo cineasta, “canonizar a Violeta es como matarla”.

CHILENOS QUIEREN VER A VIOLETA

Como otra amarga paradoja de la vida de Violeta, la cinta de Wood pudo estrenarse en sólo 21 pantallas del país, evidenciando el complejo escenario que debe enfrentar el cine chileno debido a las preferencias comerciales de los dueños de las salas de exhibición.

“Esta película tuvo una gran campaña de prensa, Violeta Parra mueve mucho, es una película relativamente grande, pero a la cola para los estrenos hay muchas películas chilenas que no tienen espacio, porque hay cuatro empresas que deciden cuál es el espacio de esas películas”, aseveró Wood.

En efecto, para la sorpresa de quienes obstaculizaron la llegada del filme a la mayor parte de las salas del país, “Violeta se fue a los cielos” recibió a 6 mil espectadores en su día de estreno. Ello, mientras sus 21 copias competían con las más de 100 salas donde eran exhibidas, respectivamente, las películas “Linterna verde” y “Los pitufos”. Finalmente, ante la desigual disputa, la cinta logró posicionarse como la tercera más vista durante el fin de semana pasado, con 79.705 espectadores.

Sin embargo, tras su éxito, fueron muchos los exhibidores que se pusieron en contacto con Wood para pedirle nuevas copias, razón por la cual se sumarán cinco cintas que pretenden llegar a Valparaíso, Temuco, Chillán, Talca y Valdivia. Por ahora, los habitantes de La Serena, que han manifestado su ira ante la ausencia de la película en la región, deberán seguir esperando.

SE SUMA BANDA SONORA Y SERIE EN TV

Quizás uno de los puntos más aplaudidos de la cinta de Wood fue la brillante interpretación que Francisca Gavilán hace de la artista. Dueña de un parecido físico incuestionable, la actriz se tomó en serio el desafío y aprendió a cantar, a tocar guitarra –siendo zurda, debió tocar como diestra- y el cuatro venezolano. Así, las canciones de la película son cantadas de principio a fin por Gavilán, quien sorprende con su talento musical y sentida interpretación de los temas.

El lanzamiento de la hazaña de Gavilán está a cargo de la productora Evolución y será estrenada en formato físico a fin de mes. El trabajo incluye la participación de Ángel Parra hijo en la guitarra y Cristián Heyne en la producción y ya puede ser escuchado online (http://soundcloud.com/violetalapeli/sets/violeta-se-fue-a-los-cielos).

Por otra parte, se ha comentado el acuerdo de realizar una miniserie sobre su historia, que sería eventualmente emitida a través de Chilevisión. Para ello se contempla utilizar gran parte del material restante de la película –casi 1 hora, según Wood- y filmar alrededor de 3 capítulos con una historia lineal sobre la vida de la artista.

Sin embargo, lejos de los grandes planes del cine y la TV –y de que Minera Escondida haya auspiciado parte de la cinta-, el regreso de su imagen numerosos carteles publicitarios en medio de la ciudad, no deja de inundar a muchos de un profundo orgullo, y ante todo, de un infinito agradecimiento hacia Wood o a quien sea que se le haya ocurrido traerla de regreso a empujar e inspirar los combativos días que hoy mueven a Chile.

Ficha Técnica

País: Chile

Idioma: Español

Duración: 110 min.

Censura: Todo espectador (7 años)

Género (s): Drama

Director: Andrés Wood

Actores: Francisca Gavilán, Cristián Quevedo, Patricio Ossa, Thomas Durand, Luis Machín, Vanesa González, Stephania Barbagelata, Roberto Farías

Guión: Andrés Wood, Eliseo Altunaga, Guillermo Calderón y Rodrigo Bazaes

Música: José Miguel Tobar y Miguel Miranda

Fuente: El Cuidadano

Incipit Vita Nova
(Comienza la Vida Nueva, Dante Alighieri)


Como ocurre siempre en las épocas
en que socialmente la vida no vale nada,
es preciso saber ver por medio
de los ojos de Eros.
En el tiempo que está por llegar,
a Eros incumbe restablecer
el equilibrio roto en provecho
de la muerte.
(André Breton)


Hay un mar que está lejos de nosotros
es invisible, pero no está oculto.
Está prohibido hablar de él,
pero al mismo tiempo es un pecado
y un indicio de ingratitud
no hacerlo.
(Rumi)

Porque todas las debilidades del hombre se deben a formas defectuosas de amar, hicimos NO MIRES PARA ABAJO, una película para aprender a hacer el amor como Dios manda, que cuenta la historia de una chica que le enseña a un chico a respirarse juntos, a untarse con acietes deliciosos para luego comerse poco a poco mientras tienen sexo en 16 posiciones distintas, mientras él aprende a pasarse horas cogiendo sin eyacular para volverla loca de placer a ella que llegará a decirle: "He muerto a mí y vivo por ti...Si te amo me amo, si me amo te amo..."
(Eliseo Subiela)

Más allá de mirarnos a los ojos
y del suspiro que sale de la inteligencia,
la poesía está en la música de Pedro Aznar
y en el manejo del Eros de Eliseo Subiela.
Así de simple: ni yo me voy ni vos te quedás.
Este amor desconoce toda separación.
En la vida siempre estamos diciendo adiós;
que eso no te impida amar.
(R)

Fuente: No mires para abajo, Eliseo Subiela, 2008. Música de Pedro Aznar.

BOLAÑO al cine: Alicia Scherson adaptará "Una novelita lumpen"

Toda escritura es una marranada.
Las personas que salen de la nada intentando precisar cualquier
cosa que pasa por su cabeza, son unos cerdos. Todos los escritores son unos cerdos.
Especialmente los de ahora.

Antonin Artaud

La realizadora es la nueva promesa del cine chileno y ahora se convertirá en la primera directora que adaptará una obra de Roberto Bolaño. La película se llamará "El futuro".

Aunque otros fracasaron en el intento, la chilena Alicia Scherson, talento emergente del cine latinoamericano, ha asumido el reto de convertirse en la primera directora que adapta una obra de su aclamado compatriota, el escritor Roberto Bolaño.




Scherson está volcando todas sus energías artísticas en los preparativos de su tercera película, "El futuro", una versión cinematográfica de Una novelita lumpen (2002), última novela publicada en vida por Bolaño (1953-2003).

"Pensamos filmar el próximo año en enero", declaró hoy en Madrid la cineasta en una entrevista con Efe, al adelantar que la cinta es una coproducción de Chile, España e Italia que se estrenará a "fines de 2011". Además, la directora chilena viajará próximamente a la Berlinale para "terminar de consolidar la producción" de "El futuro".

Scherson habló del proyecto con motivo de la presentación de sus dos filmes anteriores: "Play" (2005), estrenado en el Festival de Cine de Tribeca de Nueva York, donde ganó el Premio a la Mejor Dirección Novel; y "Turistas" (2009), nominada el pasado año a los galardones Tiger Awards del Festival de Cine de Rotterdam (Holanda). "El futuro", explicó la directora, se basa en "una novela que escribió Bolaño como por encargo para el cambio de milenio. Es una novela muy cortita, como muy de serie B. De hecho, dentro del mundo literario, es considerada una obra menor de Bolaño".

"Y yo creo que eso la hace mucho mejor material para el cine", puntualizó la realizadora, "muy tranquila" ante el desafío de rodar el filme, pese a que "hay mucha adoración y fanatismo por Bolaño, especialmente después de su muerte".

"Jamás -admitió- me animaría a adaptar (los famosos libros del autor chileno) Los detectives salvajes o 2666. Me parece que no necesitan ser adaptados al cine. Sería difícil y creo que un suicidio. No hay manera de hacer esos libros en cine".

Anteriormente, el mexicano Carlos Sama, director de "Sin ton ni Sonia" (2003), intentó trasladar a la gran pantalla Los detectives salvajes (1998), tras aseverar que había comprado los derechos de la obra antes de que estallara la "bolañomanía" con la publicación, en 2008 y en lengua inglesa, de la novela póstuma 2666 (2004). Sin embargo, el deseo de Sama se truncó después de que la viuda del escritor, Carolina López, alegara que el mexicano carece de autorización para rodar nada fundamentado en la obra de su esposo.

Scherson ha evitado ese obstáculo, pues asegura que adquirió los derechos de Una novelita lumpen en 2006, cuando estaban en poder de la agente literaria Carmen Balcells.

Los derechos "los tenía Carmen Balcells en Barcelona y partí a Barcelona a conseguirlos. No conocí a la viuda personalmente. Lo hablé con la agente literaria y se hizo un contrato", señaló la realizadora, quien subrayó que legalmente está "todo en orden".

La cineasta chilena acaba de visitar Roma, ciudad en la que se discurre la trama de Bolaño, con el fin de hallar localizaciones para el rodaje de la película, ya que "va a haber que mostrar la ciudad, aunque hay muchos interiores también".

Admiradora del director italiano Michelangelo Antonioni (1912-2007), Scherson también ha buscado en la Ciudad Eterna la inspiración de los filmes de serie B italianos de los años sesenta, para inyectar a su cinta "esa atmósfera romántica, cutre y barata".

Antes del "boom" del autor chileno, la realizadora leyó Una novelita lumpen y se sintió atraída porque "tiene un personaje femenino muy lúcido (Bianca), una adolescente huérfana que se prostituye y entra en un mundo del lumpen", pero con "una lucidez y una ironía un poco tragicómica respecto a su propia realidad".

Con su hermano y dos enigmáticos hombres, Bianca se adentra para sobrevivir en el mundo de los adultos, en el que descubre el lado más oscuro de la sexualidad y la mentira, ingredientes que encajan en el tipo de personajes inadaptados que tanto gustan a Scherson.

No cabe duda de que Alicia Scherson profesa fervor por Bolaño ("A mí me gusta mucho. Es un escritor genial"), pero difiere de la "bolañomanía", pues "convertirle en una especie de rock star intocable es un poco de exageración y muy de márketing".

Fuente: EFE

El secreto de sus ojos

Uno puede cambiarlo todo. Pero no puede cambiar su pasión.

Benjamín Esposito se acaba de jubilar después de llevar toda la vida trabajando en el juzgado. Su nuevo estado le concede mucho tiempo libre por lo que decide escribir una novela. Enseguida tiene claro de qué irá su libro. Hace más de dos décadas trabajó en el caso del asesinato y violación de una joven, que se resolvió de una manera nada satisfactoria. La vuelta atrás de Esposito lo lleva a mirar de frente otra vez a los fantasmas del pasado que en el presente lo atormentan más de lo que le gustaría reconocer. No sólo se trata de volver para dar respuesta al caso, sino que Benjamín tiene también razones sentimentales. Resulta que lleva más de 20 años enamorado de la que fuera su jefa en el juzgado. La mirada atrás parece ser la puerta para cerrar en el presente las distintas historias que han marcado su vida.

Juan José Campanella vuelve al cine después de Luna de Avellaneda (2004). En este intervalo ha hecho mucha televisión, donde ha dirigido capítulos de series como House y Rockefeller Center. Su vuelta a la gran pantalla nos ha traído al mejor Campanella. Se trata de una película muy suya y que a la vez poco tiene que ver con lo que había hecho hasta ahora. Es difícil de definir; en el calificativo de thriller no encaja, se aproxima más al cine negro. Pero también tiene mucho de drama, sin olvidar el importante componente romántico. La estética de la cinta está muy cuidada. Planos maravillosos en los que da gusto reposar la mirada. Algunos de estos planos tienen como protagonistas absolutos a los ojos, que para eso aparecen en el título de la película. Se nota un gran esfuerzo por parte de director y actores porque los ojos "hablen", cosa que en numerosas ocasiones se consigue pese a la dificultad que supone. Y es que llegado este punto, toca hablar de los actores. Todos y cada uno de ellos están soberbios tanto a nivel individual como en sus interrelaciones. Benjamin y su amada de juventud Irene destilan química, confianza, cercanía, están muy bien Ricardo Darín y Soledad Villamil. El mismo Benjamin con su compañero de fatigas Sandoval -estupendo Guillermo Francella-, compone una genial pareja de "investigadores" que provoca numerosas situaciones cómicas. Y es que Campanella compagina a la perfección este sentido del humor omnipresente con el contenido tan dramático que tiene la película.

Es difícil ver una cinta de este estilo tan cuidada tanto en contenido como en forma. Se atañe además a las "normas" actuales de dar una sorpresa final, que resulta adecuada y perfecta para el clima de suspense que puebla la película. Para que no todo sean flores, cabe decir que hay un momento en que la película pierde algo de fuelle. Sucede en la segunda parte, pero al final, vuelve a recuperar todo su esplendor.

Fuente: decine21.com

Al Rayo Verde de lo Cotidiano

In Memoriam

Entrevista a Eric Rohmer: "Me parece más interesante plantear preguntas que ofrecer respuestas".

por Carlos F. Heredero

Para empezar, cuéntenos de dónde proviene el seudónimo de Eric Rohmer, puesto que su verdadero nombre es Jean-Marie Maurice Schérer...

-En el cine son habituales estos cambios de nombre. El de Eric Rohmer, en concreto, es un anagrama de Maurice Schérer. Yo era profesor de literatura en mi juventud y tenía bastantes alumnos. Soy de una familia de la provincia de Alsacia, de mentalidad tradicional, a la que no le gustaba que abandonara mi oficio de profesor, así que, para escribir de cine y para moverme en este mundo, me sentía más libre con el seudónimo, que a la vez me parecía más bonito y más armonioso.

-Usted ha cumplido ya ochenta y cuatro años y sigue trabajando con una constancia y una fertilidad que son prácticamente excepcionales en el cine contemporáneo. ¿A qué atribuye esta fructífera continuidad...?

-La constancia es una cosa, pero se necesita también la fuerza física para poder continuar, porque no siempre me resulta fácil. La mayoría de mis películas con tema contemporáneo me han exigido mucha energía física. En La rodilla de Clara estaba siempre subiendo por las montañas, y rodar en las calles de París resulta también muy cansado. Estas dos últimas películas, por el contrario, al estar hechas con un equipo más numeroso, en estudio de rodaje y con más medios, me han fatigado menos. El problema consiste en tener inspiración y ganas de hacer cosas.

-Pero usted no ha dejado de inventar nuevas historias y su imaginación se mantiene con envidiable fertilidad...

-Hay algunos escritores muy prolijos, pero yo no soy de ese tipo. Estoy en la categoría de los que hacen un número de obras más restringido. Hablo de escritores, porque yo escribo mis propias historias, y resulta más difícil escribir cada vez una historia distinta que realizar películas sobre obras ya existentes o en colaboración con otro guionista. Si quisiera adaptar libros tendría mayores posibilidades y no sería tan arduo, pero contar una historia que no se parezca a las demás, y que aporte algo realmente novedoso, es más difícil.

-Así que piensa continuar al mismo ritmo...

-Tengo algunas ideas más, pero tampoco son infinitas. De momento, no he dicho todavía mi última palabra, aunque creo que tampoco estoy muy lejos de ello. Hablando sinceramente, no creo que pueda seguir rodando hasta la edad de mi colega portugués, Manoel de Oliveira, que es un verdadero fenómeno. Por otro lado, él trabaja con varios colaboradores, y a veces se inspira en novelas, pero a mí me gusta trabajar solo, y por eso me resuta más difícil.

-En un libro que escribió sobre Mozart y Beethoven, y a propósito de una sonata, decía «la diversidad nace de una voluntad inicial de unidad» y que «la riqueza expresiva es fruto del despojamiento». Estos son atributos que también se pueden predicar de su filmografía, ordenada en series unitarias de gran diversidad interior y de una admirable ecología expresiva...

- Allí hablaba de Mozart. En lo que a mí atañe, es cierto que busco la unidad y la variedad. Dada la unidad de los distintos conjuntos, necesito una diversidad de motivos. Si parto de un tema común, por ejemplo, quiero que los paisajes sean diferentes. Esto es sumamente importante para mí. Ingmar Bergman muestra paisajes bastante parecidos en la mayoría de sus obras, pero, al mismo tiempo, tiene más variedad en sus historias. Yo cuento historias que se parecen más entre ellas, pero que suceden en ámbitos distintos. En esto me acerco a la influencia de Balzac, que contaba historias similares, pero situadas en entornos completamente distintos: burgueses, campesinos, nobles, parisinos, gente de la provincia. Con Triple agente retomo algunos temas y ciertos tipos de personajes que me interesan, pero cambio radicalmente de época, y así combino unidad y variedad.

-Las historias de todas sus películas transcurren siempre en presente, lo que se mantiene incluso en sus films de tema histórico. No existen los «flashbacks» y nunca se muestra el pretérito. Parece como si pensara, al igual que José Luis Borau en España, que la lengua del cine sólo se puede conjugar en presente...

-Este es un debate que el cine vivió en los años sesenta, en la época de Resnais y Robbe-Grillet, con películas como El año pasado en Marienbad , donde había una mezcla del presente con el pasado. Yo estaba en contra. Creo que la imagen cinematográfica debe estar siempre en presente y que no se puede confundir una imagen real con una imagen virtual que sólo existe en la mente. No se pueden confundir imaginación y percepción. La imagen del cine es el presente, porque la cámara no puede examinar los detalles que uno no ve. Desde el punto de vista filosófico, soy contrario a la expresión del pasado en el cine. Me interesa mucho más tratar de visualizar lo invisible a través de lo visible que tratar en vano de visualizar lo invisible. El pasado no se puede ver y, para mí, tampoco se puede filmar.

- La meteorología es muy importante para la historia y la dramaturgia de sus películas. Ha llegado a decir, incluso, que si no consultara al hombre del tiempo, no podría rodar. ¿A qué se debe esta particular obsesión...?

-Necesito filmar cosas que sean de verdad y no me gusta lo falso. No me gusta la lluvia artificial, por ejemplo, así que yo mismo acostumbro a hacer mis propias previsiones. En La rodilla de Clara hay unos planos con lluvia real, porque la lluvia trucada no me parece natural y, además, impide que los actores se puedan mover con naturalidad. Prefiero una lluvia más fina y, sobre todo, real. En La Boulangère de Monceau la lluvia apareció durante el rodaje y decidí utilizarla dentro de la historia. Por eso el personaje dice que la lluvia le obligó a refugiarse en el portal. En Cuatro aventuras de Reinette y Mirabelle , una de las chicas pregunta a los campesinos si iba a llover, ellos le contestan que no, pero finalmente (como yo preveía) empezó a llover y me interesó mucho rodar esa escena en condiciones reales.


Fuente: Revistas Culturales

L'amour l'apres-midi, Eric Rohmer, 1972

FOLLOWING THE NINTH: SINFONÍA SUBLIME DOCUMENTAL

Film de Kerry Candaele

FOLLOWING THE NINTH, del director Kerry Candaele, en parte es un road film, en parte una historia de amor musical como The Red Violin. La película contará la historia de una comisión apasionada y del amor por la música y de su capacidad de sostenernos incluso en la época más oscura.

La Novena Sinfonía y la película toman una gama entera de emociones y de deseos humanos: miedo, desesperación, amor, compasión, melancolía, esperanza y alegría. La Novena es tan rica en el significado como cualquier pedazo de arte que el mundo ha producido, y estará con nosotros mientras haya gente en la tierra que quiere abrir sus corazones y almas para oírla. FOLLOWING THE NINTH, la película, mientras que reconoce la imposibilidad de la meta, apunta a alcanzar las mismas alturas que la Novena Sinfonía en sí misma.

Historia dos, Segundo Movimiento, Scherzo

En Santiago, Chile, encontramos a los músicos y los ex-estudiantes, los sacerdotes, los poetas y los trabajadores que encontraron consuelo en la Novena cuando el país estaba sometido por la dictadura militar entre 1973 y 1990.

Fuente: Following The Ninth

Slumdog Millionaire, Oscar 2009

How did he do it? (¿Cómo lo hizo?)

A: He cheated (hizo trampa)

B: He' s lucky (tuvo suerte)

C: He's a gennius (es un genio)

D: It is written (está escrito)

TRELEW

La fuga que fue masacre

¿Por qué Trelew?

por Mariana Arruti

¿Por qué trabajar sobre un tema difícil, silenciado por años?

¿Por qué meterse en cuestiones que el tiempo convirtió en un tema maldito?

Estas eran preguntas que nos formulaban una y otra vez, cuando el equipo que hizo Trelew, se obstinó en saber más y más.

¿Por qué Trelew?

Porque sí.

O en todo caso otra pregunta: ¿por qué, no?

Y ahí la respuesta es fácil: Trelew nos explica el presente, Trelew nos cuenta de una generación que tomó la decisión de enfrentar un proyecto de país y construir otro. Y no pudo, o mejor dicho, no la dejaron. Los resultados son hoy la miseria, los miles de jóvenes sin trabajo y sin futuro.

Trelew nos explica.

Si leemos entre líneas, Trelew nos aclara lo que vino después.

Pero Trelew porque sí, esencialmente, porque no pude correrme cuando supe un poco, y después fue tarde, me enamoré.

Sí, me enamoré de Trelew, de esa historia no de héroes intocables, sino de cuento pequeñito, de cuento de la solidaridad de aquellos habitantes de la extensa patagonia, que decidieron entrar a un penal de máxima seguridad a llevarle cigarrillos, queso y pan, a esos jóvenes presos que además de enfrentar a una dictadura militar y hacer la revolución, también reían y jugaban al fútbol y cantaban chacareras y zambas de pabellón a pabellón...

Trelew porque no podía entender y quería explicarme, la fortaleza de aquellos que lo perdieron todo -sus hijos-, y que sin embargo se pararon firmes en sus dos piernas, para pelear contra aquella dictadura del Gral. Lanusse, y gritarle en la cara que aquéllo, a pesar de las versiones oficiales, había sido un asesinato, un fusilamiento cobarde.

Trelew porque me conmovía el gesto de la mamá de Eduardo Capello, que perdió a sus dos hijos... y la mirada de Tito, un poblador que se obstinó en ser solidario con aquellos jóvenes y terminó preso en el mismo penal.

Y Trelew también, porque, cuando leí en una vieja publicación los recuerdos del padre de María Angélica Sabelli (una de las jóvenes acribilladas que solo tenía 23 años) que no recordaba dónde había besado a su hija por última vez, si en la frente o en la mejilla, ya no pude dejar de contar la historia.

Nota: Mariana Arruti es la directora del film

Fuente: Film Trelew

Corazón del Tiempo en Sundance

por Tania Molina Ramírez

La capacidad de decisión de las indígenas chiapanecas, uno de los temas de la película escrita por Alberto Cortés, también el director, y el periodista Hermann Bellinghausen • “Tiene el lenguaje de la selva y la musicalidad de esa manera de hablar el castellano”

Los zapatistas compiten en la 25 edición del Festival de Cine Sundance. Corazón del tiempo, incluida en la selección oficial, es la primera cinta de ficción en la cual participan los rebeldes indígenas. Su realización —contó el director Alberto Cortés— fue un trabajo colectivo, una colaboración entre el equipo de filmación y los insurrectos, quienes conforman el reparto (exigencia de ellos mismos). Se trata de una historia de amor escrita por el propio director y Hermann Bellinghausen, escritor y periodista de La Jornada que ha cubierto Chiapas desde el levantamiento armado en 1994.

Bellinghausen creó los diálogos basándose en sus años de experiencia en las comunidades. “Tiene el lenguaje de la selva y la musicalidad de esa manera de hablar el castellano”, dijo el director en entrevista un par de días antes de partir a Park City, donde se realiza el festival.

Participaron en un taller de guión organizado por el festival Sundance y consultaron el guión con varios, entre ellos la comandancia del Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN), para que fuera verosímil: “Como se trata de una historia de la vida cotidiana, de cómo se puede enfrentar un problema familiar en una comunidad, nos importaba no inventar algo que no fuera posible”, siguió Cortés.

Mostrar los pueblos desde dentro

Por otro lado, la idea de narrar una historia en el contexto zapatista nació con “la intención de mostrar los pueblos desde dentro”, explicó.

Cortés dijo que es fascinante “cómo están enfrentando las comunidades zapatistas todos estos años de resistencia y de construcción de algo nuevo, de su autonomía”. Allá “están haciendo una revolución”. Una revolución cuyos frutos pocos conocen.

Para Alberto Cortés, la modernidad en México está en territorio zapatista: “Hemos asociado el indigenismo y los pueblos campesinos con el atraso”; sin embargo, “van un paso adelante: ya sabemos que los partidos políticos no sirven, y no sucede nada; en cambio, allá intentan algo nuevo (a través de las Juntas de Buen Gobierno). Y en ese intentarlo no se pelean con la tecnología. Hay una propuesta artística, cultural y de comunicación muy fuerte: en el terreno de la comunicación y el arte, está Radio Insurgente, los talleres de video, la producción de la película, la interacción con grafiteros nacionales e internacionales... Los pueblos zapatistas tienen una propuesta moderna, consciente y actual. Han dado lecciones muy importantes de cómo enfrentar futuros retos en muchas áreas, como la agroecología: hay planteamientos muy avanzados de cómo manejar el problema de la tierra”.

Al menos de que, ironizó Cortés, “consideremos que la violencia de Ciudad Juárez es la modernidad”.

Este enero fue el aniversario 15 del levantamiento. “Una chica de 20 años tenía cinco en 1994, y ya estudió con los nuevos promotores de educación, se educó en el zapatismo (es el caso de la actriz protagonista Rocío Barrios). Bien o mal, hay una ley de mujeres, que quizá no se ha aplicado todo lo que quisieran, pero ahí está. Las mujeres tienen más presencia en las Juntas de Buen Gobierno, en las decisiones de las comunidades.”

Éste es, precisamente, uno de los temas de Corazón del tiempo: la capacidad de decisión de las mujeres indígenas.

La cinta narra cómo “a partir de un alboroto familiar debido a que Sonia, la protagonista, tiene que deshacer un compromiso matrimonial, una niña curiosa le pregunta a la abuela cómo es que ella se enamoró. A través de lo que cuenta la abuela y de lo que se está viviendo en su casa, la niña saca conjeturas para ver cómo va a enfrentar el enamoramiento, o el compromiso de boda, esta planificación de las necesidades del corazón. De ahí se le ocurrió a Hermann el título, por estas tres mujeres —abuela, niña y muchacha— que tendrán cada una su tiempo para enfrentar esto”, siguió el director.

Hacer una cinta en una comunidad zapatista en la selva chiapaneca llevó varios años. Para empezar, “en ese tiempo no había luz, por lo tanto no había televisión y no sabían qué es el cine”. Así que comenzaron por proyectar cintas en un formato que fuese lo más cercano a la pantalla grande: Charles Chaplin, cine mexicano de la época de oro, hasta Matrix. “Toda esa época fue de gran aprendizaje, de tratar de descubrir una manera de mirar.”

Emotiva función

El estreno de Corazón del tiempo fue en La Realidad, el pasado 8 de agosto: “cerca de donde se filmó y donde estaba la mayor concentración de gente que trabajó en la cinta”.

Al estreno asistieron mil 700 personas y fue “muy emotivo”, dijo Cortés. “Al principio, reconocer los lugares, las personas y hasta los animales, era motivo de risa. Luego, poco a poco, se fueron metiendo en la película, y al final estaban completamente dentro.

“Fue la culminación de un trabajo que hicimos con mucho cariño y que nos develó cosas nuevas de lo que puede ser el cine en este país. Aprendí a privilegiar no sólo cómo y desde dónde se hace una película, sino cómo se mira, porque a los cineastas les sucede cada vez más lo que a los partidos políticos: ya no ven ciudadanos, sino boletas electorales. Acá pasa lo mismo: ya no ven espectadores, personas a las que comunican algo, sino boletos de taquilla.”

Ahora planean hacer cines en la región zapatista. “Una de las cosas que aprendimos juntos en las comunidades fue que el cine es importante en todos los aspectos: hacerlo y exhibirlo (tanto fuera como dentro de la comunidad). El cine como tal, como un lugar comunitario, es importante. ¿En qué otro lugar de México puedes retomar esto, no como negocio, no como una pantalla para el gobernador en turno (de que vista hacer un festival, traer actores, hacer un estreno), sino como una práctica social cotidiana? Es a esto a lo que me refiero con la modernidad de los pueblos zapatistas.”

La cinta estuvo en el 56 Festival de Cine en San Sebastián y se proyectará en el 24 Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

Fuente: La Jornada

La Escafandra y la Mariposa

Le Scaphandre et le Papillon

Film: Julian Schnabel

2007

Por René Naranjo S.

Estrenada de manera mucho más silenciosa de lo que se merece, "La escafandra y la mariposa" es el tercer largometraje del reconocido pintor neoyorquino Julian Schnabel.

Esta vez, Schnabel se rodea de un equipo de colaboradores de probada calidad, como el guionista Ronald Harwood ("El pianista") y el director de fotografía Janusz Kamiski ("La lista de Schindler") y rueda en francés para contar la historia verdadera y asombrosa de Jean-Dominique Baudy, editor general de la glamorosa revista francesa "Elle" y padre de tres hijos, quien el 8 de diciembre de 1995 sufrió un repentino y brutal accidente cerebro-vascular que lo dejó en coma tres semanas. Al despertar (ahí es donde comienza la película), Baudy (interpretado por Mathieu Amalric) se da cuenta que se encuentra completamente paralizado y que sólo es capaz de mover el ojo izquierdo. Nada más.

Schnabel hace ahí un símil llamativo y oportuno. Como su personaje queda, en la práctica, tuerto, y la cámara de cine por definición también lo es, el director une ambas miradas únicas y convierte al lente en el protagonista de la cinta. Así, la cámara "es" Baudy, su ojo es el lente, los demás personajes le hablan directamente a éste y su mirada es la que guía el relato, en una apuesta límite por la subjetividad.

Trailer- Le scaphandre et le papillon

FIESTAPATRIA

Luis R. Vera

FIESTAPATRIA es una metáfora al estado social y moral del Chile de hoy, y entrega un provocador testimonio que va desde el régimen militar hasta nuestros días. El film se sirve de una extensa galería de personajes, todos representativos de la sociedad chilena actual, para contarnos la historia de dos familias que se reúnen en una casa de campo a celebrar las fiestas patrias, y el compromiso de matrimonio de sus hijos, Macarena y Álvaro. Justo antes de que la fiesta llegue a su esperado final feliz, la joven Macarena se entera del secreto mejor guardado de la familia.

FIESTAPATRIA is a metaphor for the social an moral state of Chile, and provides and provocative testimony of a period that rangers from militar regime to the present day. The film makes use of a gallery of representative characters from chilean society to tell the story of two familias that get together in a country house to celebrate the Nacional Holiday and the engagement of their children, Macarena and Álvaro. Just befote the event comes to an eagerly-awaited happy end, young Macarena discovers the family’s best kep secret.

OLGA: la iluminación del mundo

"He luchado por lo justo, por lo bueno y por lo mejor del mundo... Quiero que me entiendan bien: prepararme para la muerte no significa que me rinda, sino saber hacerle frente cuando llegue". Olga Benario Prestes


Ficha técnica

Director: Jayme Monjardim
Guión: Rita Buzzar, Fernando Morais (novela)
Reparto: Camila Morgado, Caco Ciocler, Edgar Amorim, Gustavo Berriel, Leona Cavalli, Fernanda Montero
Año: 2004
Producción: Rita Buzzar, Carlos Eduardo Rodrigues
Música Original: Marcus Viana
Fotografía: Ricardo Della Rosa
Edición: Pedro Amorim

Sinopsis:

Historia verídica sobre una de las grandes heroínas cariocas: Olga Benario, mujer alemana de origen judío, esposa del líder comunista Luis Carlos Prestes. Una historia de gran valentía y lucha por sus ideales, Olga fue pieza definitiva en el movimiento y los ideales de su esposo y una importante colaboradora en la lucha de la izquierda brasilera en contra de las dictaduras militares.

Comentario

“Olga”, adaptación cinematográfica del best-seller del mismo nombre escrito por Fernando Morais, es un cuento de amor y de intolerancia que narra la fascinante historia de la revolucionaria judeo-alemana Olga Benario Prestes (Camila Morgado).

La película sigue las experiencias de esta mujer extraordinaria a partir de su educación burguesa en Alemania hasta su muerte en una de las espeluznantes cámaras de gas hitlerianas. Como hija de Eugénie Gutmann (Eliane Giardini), una judía de la alta sociedad, y Leo Benario (Luis Mello), un abogado socialdemócrata y liberal, con solo 15 años Olga se une a la Organización de Jóvenes Comunistas.

Desde muy temprano se involucra en los asuntos internos del Partido Comunista Alemán, ya proscrito. Cinco años mas tarde lidera un audaz asalto a un juzgado de Moabit en un intento por liberar a su camarada, el profesor Otto Braun, durante su juicio.

Olga y Otto huyen hacia Moscú donde Olga recibe instrucción militar del Ejército Rojo e inicia una carrera en el Komintern, la Internacional Comunista con sede en Moscú. Elegida para acompañar y asegurar el regreso a salvo del líder comunista, el capitán Luis Carlos Prestes (Caco Ciocler), a Brasil donde más tarde encabezará la primera revolución comunista de América Latina.

Los dos revolucionarios emprenden este viaje peligroso a través de Europa y los Estados Unidos fingiendo ser un matrimonio portugués adinerado en su luna de miel. Durante su largo y peligroso viaje, Olga y Prestes se enamoran. En Brasil, a la pareja se le unen otros miembros del Komintern que se han visto obligados a refugiarse en la clandestinidad. En poco tiempo el grupo empieza a organizar una revolución comunista. Sin embargo, el levantamiento es un rotundo fracaso. Los revolucionarios son sometidos por la policía del presidente Getúlio Vargas (Osmar Prado). Muchos camaradas leales son detenidos, y varios más mueren asesinados.

En 1936, Olga y Prestes son capturados y encarcelados. A partir de ese momento, nunca más se vuelven a ver. Finalmente, embarazada de siete meses, Olga es deportada a la Alemania de Hitler donde nace en la cárcel su hija, Anita Leocádia. Durante todo su encarcelamiento, Olga mantiene el contacto con su marido por carta, a la vez que sigue sosteniendo sus ideales de libertad y justicia social.

A los catorce meses Anita es separada de Olga. Gracias a una campaña internacional orquestada por la madre incansable de Prestes, Dona Leocádia (Fernanda Montenegro), la niña es salvada y devuelta a su familia. Olga jamás vuelve a ver a Prestes ni a su hija. La revolucionaria apasionada es una de las primeras víctimas de las cámaras de gas y es ejecutada en Bernburg en 1942.

“Iluminar para siempre. Iluminar todo. Hasta los últimos días de la eternidad. Iluminar. Iluminar y nada más. Es mi lema… y el del sol”.



Visitar: Jayme Monjardim

Trailer “OLGA”- Jayme Monjardim